FUENTES

Wikipedia                                                                                                                     googles(imágenes y fuentes)                                                                                       rincon del cómic                                                                                                           comics batanga                                                                                                           marvel wikia                                                                                                                 tu manga online                                                                                                               

OPINION PERSONAL

Me ha encantado viajar por todo el mundo del cómic,sinceramente hay muchas cosas de las que aun no he hablado y me he saltado.Como ya dije en el anime(parte 3) estabamos llegando al final de este blog algunos más pesados que otros,pero ha sido fantastico tanta informacion, géneros,la primera historieta del ‘mundo’,etc… . Gracias por ver este blog y nos vemos en la proxima aqui nos despedimos.                                                                                                                   Creadores de este blog:Adrián.R. y Samuel.A.                                                                                                                                                                                                                        (seguramente subire algo al blog porque seguramente me faltara algo por ejemplo describir algun anime o manga asi que hare alguna entrada de eso,ademas estoy volviendo a mirar las entradas y resubiendolas pero haciendo un resumen de todo eso hablado asi que pasaros ;D)-4217

ANIME (parte 4)

Formatos

Hay diferentes formatos de producción usados:

Series de televisión

Son el formato más común y muchas están basadas en un manga. Para los estrenos de cada serie en Japón, suele presentarse un episodio por semana, en temporadas de 13 o 26 capítulos por motivos de calendario, duran media hora y al igual que todos los programas de televisión hay cortes comerciales.

OVA

Abreviación de original video animation (‘animación original en video’) o también only video available (“solo disponible en video”). Son producciones animadas destinadas para su consumo en video que normalmente no se emiten en televisión.

Películas

Son los largometrajes producidos por las compañías, pueden ser historias originales basadas en algún manga o muchas veces en las series de anime que pueden presentar historias alternas o un tiempo lógico establecido de la serie. Normalmente este complejo (de 50 a 120 minutos) de películas difieren bastante de otros formatos de animación -por ejemplo, la calidad de imagen- y en consecuencia causa mayores costes de producción.

ONA

ONA  de anime especialmente diseñado para su distribución en Internet.

Géneros

En el anime, suele haber géneros que se encuentran en los medios audiovisuales. Estos son acción, aventura, comedia, ciencia ficción, drama, historias infantiles,Psicológica, fantasía medieval, romance y terror.

Gran parte de las series de anime pueden incluir dos o más géneros de los dichos.

Géneros demográficos

La siguiente tabla muestra los géneros usados exclusivamente para anime y manga:

  • Kodomo : anime enfocado hacia el público infantil.
  • Shōnen : anime para chicos y chicas adolescentes o preadolescentes protagonizado por un chico adolescente, en el que suelen haber elementos mágicos y combates de todo tipo.
  • Shōjo : anime enfocado a público adolescente femenino, generalmente con protagonista principal una chica. 
  • Seinen : anime enfocado a hombres adultos, ya que contiene alto nivel de violencia, gore, escenas sexuales.
  • Josei : anime como audiencia objetivo las mujeres jóvenes adultas.
  • gore.

ANIME (parte 3)

Diseño de personajes

En el anime, el diseño de personajes puede variar de ciertas maneras dependiendo de la época o los dibujantes. Cabe destacar que en el anime son usualmente influenciados más de un tipo de estilo de brocha más que la caligrafía de lápiz. Algunas características visibles son:

  • Los ojos: Comúnmente son muy grandes, ovalados, muy definidos y con colores llamativos. Frecuentemente se nombra a Osamu Tezuka como quién introdujo ojos grandes para dar más personalidad y expresiones faciales a personajes del anime.
  • El cabello: Hay de todas formas, tamaños y volúmenes, para personajes masculinos o femeninos. Además de una gran variedad de colores como los de los ojos. Pudiendo tener diferentes formas de sombreado para darle el volúmen deseado.
  • El cuerpo: Puede ser muy parecido a las proporciones del cuerpo humano, aunque de una manera muy escultural. Al mantener las proporciones que el cuerpo humano, los personajes inevitablemente son demasiado grandes y altos.
  • La cara: El anime utiliza una amplia variedad de expresiones faciales para denotar estados de ánimo y pensamientos en comparación con la animación occidental.

También hay que tomar en cuenta que las características de seres no humanos como animales, robots, monstruos y demonios varían dependiendo el contexto y son muy diferentes a las de los humanos.  Algunos estilos de dibujo predominantes en el anime son:

  • Bishōjo (Lit. “joven hermosa”) Representan la belleza de una mujer según la estética japonesa moderna.
  • Bishōnen (Lit. “Joven hermoso”)  Los personajes son de talla alta, flacos, con el mentón pronunciado y a veces con un cabello suelto u ondulado.
  • Moe (De “Moeru”, lit. “Ardiente”) Estilo que exagera las características “tiernas” de los personajes.
  • Chibi. Es la versión pequeña del personaje, se denota como muñequitos ‘enanos’ y deformes de sí mismos.

    Audio

    La banda sonora utilizada en los diferentes formatos suele ser llamada OST como abreviación de Original Soundtrack. Esta puede estar compuesta de:

    • Opening : Canción puesta al inicio de la animación , cuando aparecen los créditos iniciales, es acompañada una animación que suele caracterizar la serie.
    • Ending : Canción puesta al final de la animación ,cuando aparecen los créditos finales, es acompañada una animación más simple que la del opening.
    • Soundtrack : Canciones que se utilizan para acompañar las escenas, dependiendo de los directores.
    •  Background Music: Pistas musicales utilizadas para acompañar las escenas.
    •  Extras: Canciones compuestas especialmente para la animación pero que no aparecen en ésta.

    La industria del anime

    Producción

    Entre la década de 1990 y el 2000, la producción de anime se ha incrementado de una manera muy grande.

    Compañías de anime

    El número de creadores de anime en Japón es de 3657 y el número de empresas es de 247.La cantidad de licencias ha generado 3.937.000.000 de dólares, y la exhibición 8.110.000. También si tomamos en cuenta que, Toei Animation, siendo la compañía de anime más grande de Japón, ha generado grandes cantidades de ingresos procedentes de ventas de productos de anime en Japón y fuera de el.Bocetos_Manga_V_by_Zero91CZ 74gouken 1_zpse2pyjdgz

ANIME (parte 2)

Referencias culturales

Este género narrativo es una mezcla principalmente de las culturas japonesa y occidental. Del género occidental rescata algunos arquetipos de personajes, presentación en capítulos de misma duración y técnicas de animación entre otras cosas. A esto le añade conceptos tradicionales japoneses como el énfasis en la vida cotidiana y el estilo tradicional de dibujo japonés modernizado. Además se pueden presentar otros tipos de mitologías, como la griega, china, escandinava (si se tomaran ejemplos estarían las series de Saint Seiya, Dragon Ball y Matantei Loki respectivamente).

Diseño de animación

Aunque el anime se considera separado de los dibujos animados, este utiliza muchas características aplicadas en las caricaturas como storyboard, actuación de voz, diseño de personajes, entre otras. El anime también tiende a tomar prestados elementos de muchos textos de manga en el fondo, y los paneles de diseños también. Por ejemplo, un opening puede emplear paneles a contar la historia, o para dramatizar una cuestión de efecto humorístico.

La mayoría de las veces es la adaptación de manga en video – aunque también se adapta de una novela ligera o una novela visual -; teniendo comúnmente menos detalles en sus trazos. Generalmente el anime se refiere al de dibujo de celdas, pero también se aplica a la animación creada por computadora, como por ejemploFinal Fantasy, aunque para este último suele haber denominaciones como CG (computer graphics).

Animación limitada

El anime es conocido por su animación, la cual es muy particular comparada con la que tienen los dibujos animados occidentales tales como los de Disney. Los estudios en los que se realiza anime han perfeccionado técnicas para utilizar la menor cantidad de cuadros de animación por segundo que sea posible, tales como mover o repetir escenarios, imágenes de los personajes que se deslizan por la pantalla, y diálogos que impliquen animar únicamente las bocas mientras que el resto de la pantalla permanece estática. Otros argumentan que el mejor anime debe acentuar la dirección sofisticada sobre la animación actual (movimiento del personaje), proporcionando una ilusión de movimiento cuando en realidad no lo hay. Aunque en los últimos años todo ha mejorado debido al uso de tecnologías computacionales usándose software especializado en animación 2D o combinación 2D/3D.

Con lo desarrollado se dirige hacia la creación de guiones, una especie dehistorieta que sirve de base para el seguimiento de todo el personal, proporciona detalles tales como el número de fotogramas de la escena, los efectos visuales y de los antecedentes necesarios, cámaras, los movimientos de cámara, la dinámica y la composición de las escenas . Una vez establecido, bajo la coordinación del director los storyboards, diseño de personajes, el diseño de mecanismos y fondos, se realizan dibujos preliminares, que van a formar el animatic, que es una versión filmada de storyboards necesaria para verificar los tiempos y el ritmo de las escenas, tanto con la incorporación deldiálogo y la música que debe tener coherencia con las imágenes y sonidos.

Dilatación temporal

Muchas de las técnicas descritas anteriormente de recuperación, son también funcionales en el momento crucial de dilatación del tiempo en el anime.                                                                                                               tratrabt

ANIME (parte 1)

La palabra anime (アニメ) fue tomada en Japón para nombrar a un estilo de animación, surgido en ese país. Es el término que identifica a la animación de procedencia japonesa.  Es potencialmente dirigido a todos los públicos, desde niños, adolescentes, adultos, hasta especializaciones de clasificación esencialmente tomada de la existente para el “manga” (historieta japonesa), con clases base diseñadas para especificaciones sociodemográficos tales como empleados, amas de casa, estudiantes, etc. Por lo tanto, pueden hacer frente a los sujetos, temas y géneros tan diversos como el amor,aventura, ciencia ficción, cuentos infantiles, literatura, deportes, horror, fantasía, comedia y muchos otros.

El anime tradicionalmente es dibujado a mano, pero actualmente se ha vuelto común la animación en computadora.

Entre los rasgos características de los personajes de anime encontramos el tamaño de los ojos, sus finas narices y bocas, su muy particular cabello y sus cuerpos así como la expresividad de los personajes y el hecho de tener un actitud definida que los hace casi reales a otro contexto.

Historia

La animación japonesa comercial data desde 1917 con una serie de cortometrajes similares a las producciones americanas, y desde entonces la producción de obras de anime en Japón ha seguido aumentando de manera constante.

El estilo de arte propio y característico del anime surgió en 1960 con las obras de Osamu Tezuka y se extendió a nivel internacional a finales del siglo XX, junto con el desarrollo de una audiencia nacional e internacional.

El anime en Japón ahora se distribuye en cines, en emisiones televisivas directamente a los hogares, por canales de cable,DVD, Blu-ray y masivamente a través de Internet para el resto del mundo; clasificándose en numerosos géneros dirigidos a diversas audiencias generales y especializados.

Características del anime

Trama

Dentro de las características notables en el género, se destaca el desarrollo de tramas complejas a lo largo de un cierto número de episodios. Gran parte del anime está estructurado en series de televisión con números de episodios definidos en los cuales se trata una trama específica que puede implicar el trabajo de conceptos complejos.

Romanticismo

Toma elementos de la fantasía y lo sobrenatural. También se toma en cuenta las relaciones que tienen los personajes, como amigos o familiares. La mayor parte de las series de anime pueden tener algo emocional y connotaciones ideológicas. Las imágenes pueden crear un fondo adecuado para la transferencia de sus pensamientos emocionales.En las series destinadas a un público femenino se le toma más importancia a los sentimientos de los personajes, aunque no es ajeno también a las series destinadas a un público masculino, en donde comúnmente los personajes están desesperados por una persona en especial (algo que puede ser tanto como drama y comedia romántica), el mejor ejemplo en cuánto a la expresión de sentimientos es la serie Candy Candy.

Aunque es más predominante la fantasía sobre los sucesos reales, algunas series han tenido influencia del movimiento del realismo, incluso se han adaptado obras literarias al anime. Las historias contadas a través de este medio pueden ser producidas mediante la combinación de variados géneros cinematográficos, como tales hay una gran cantidad de temas, pueden describir acontecimientos históricos, como los citados después. Algo que sí se tiene que tomar en cuenta es que en el anime se reflejan la cultura y las tradiciones japonesas.

 blue-girl-gratis-beautiful-anime-facebook-timeline-cover,1366x768,66022Chicas-anime-chica-comiendo-manzana-fondos-pantalla_520212anime-hd-75944

EL MANGA

es la palabra japonesa para designar a las historietas en general. Fuera de Japón se utiliza tanto para referirse a las historietas de origen japonés como al estilo de dibujo utilizado en el Manga.

El manga abarca una amplia variedad de géneros, y llega a públicos diversos. Constituye una parte muy importante del mercado editorial de Japón y motiva múltiples adaptaciones a distintos formatos: series de animación, conocidas comoanime, o de imagen real, películas, videojuegos y novelas. Cada semana o mes se editan nuevas revistas con entregas de cada serie, al más puro estilo del folletín, protagonizadas por héroes cuyas aventuras en algunos casos seducen a los lectores durante años.

Se traduce, literalmente, como «dibujos caprichosos» o «garabatos». Los japoneses llaman también al manga «imágenes insignificantes», pues compran al año más de mil millones de volúmenes en blanco y negro, impresos en papel barato.

Al profesional que escribe o dibuja mangas se le conoce como mangaka.

A diferencia de las otras dos grandes escuelas de historieta (la franco-belga y la estadounidense), en el manga las viñetas y páginas se leen de derecha a izquierda, al igual que en la escritura tradicional japonesa.

McCloud detecta también una mayor variedad de las transiciones entre viñetas que en los comics occidentales, con una presencia más sustancial del tipo que denomina «aspecto a aspecto», en la que el tiempo no parece avanzar.

También hay que destacar el gran tamaño de los ojos de muchos de los personajes, más propio de individuos occidentales que japoneses, y que tiene su origen en la influencia que sobre Osamu Tezuka ejerció el estilo de la franquicia Disney.

En el manga, es común el uso de abundantes líneas paralelas para representar movimiento o sorpresa.

El manga comienza su vida entre los años 1868-1912 debido a la llegada de personas de occidente a Japón y pronto éste estilo de dibujo fue tomando mayor popularidad entre los Japoneses.El manga nace de la combinación de dos tradiciones: La del arte gráfico japonés, producto de una larga evolución a partir delsiglo XI, y la de la historieta occidental, afianzada en el siglo XIX. Sólo cristalizaría con los rasgos que hoy conocemos tras la Segunda Guerra Mundial y la labor pionera de Osamu Tezuka.

Los primeros mangas infantiles (1923)

El cómic estadounidense -en especial Bringing up father (1913) de George McManus – se imita mucho en los años 20, lo que ayuda a implantar el globo de diálogo en series como Speed Taro (1930-33) de Sako Shishido, Ogon Bat (1930, un primer superhéroe) de Ichiro Suzaki/Takeo Nagamatsu y Las aventuras de Dankichi (1934), de Keizo Shimada, así como la tira cómica Fuku-Chan (1936-), de Ryuichi Yokohama. Para entonces, habían surgido historietas bélicas como Norakuro (1931-41) de Suihou Tagawa, ya que el manga sufría la influencia de las políticas militaristas que preludiaban la Segunda Guerra Mundial, durante la cual fue usado con fines propagandísticos. En 1945, las autoridades de ocupación estadounidenses prohibieron de manera generalizada este género.

Nacimiento del manga moderno (1945)

Tras su rendición incondicional, Japón entraría en una nueva era.  Apareció así el Kamishibai, una especie de leyendas de ciego, que recorría los pueblos ofreciendo su espectáculo a cambio de la compra de caramelos. El Kamishibai no competía con las revistas, pero sí otros dos nuevos sistemas de distribución centrados en Osaka:

  • Las bibliotecas de pago, que llegaron a constituir una red de 30.000 centros de préstamo que producía sus propios mangas en forma de revistas o tomos de 150 páginas.
  • Los libros rojos, tomos de unas doscientas páginas de papel de baja calidad en blanco y negro, cuyo rasgo característico eran sus portadas en color rojo y su bajo precio. Esta industria pagaba a sus artistas sueldos próximos a la miseria, pero a cambio les otorgaba una amplia libertad creativa.

En 1988, gracias al éxito de la versión cinematográfica de Akira, basada en el manga homónimo del dibujante Katsuhiro Otomo, publicado en 1982 en la revista Young Magazine de la editorial Kōdansha, la difusión internacional del manga comenzó a aumentar de forma explosiva. El gran éxito de esta película en Occidente venía precedido de una tradición en aumento de emitir anime japonés en las cadenas de televisión europeas y estadounidenses. Ya en los años 60, Osamu Tezuka había vendido los derechos de emisión de su primer Astro Boy a la cadena estadounidense NBC consiguiendo un éxito notable entre la audiencia infantil. Otro de los autores más relevantes en este apogeo mediático de finales de los ochenta y principios de los noventa, fue el mangaka Akira Toriyama, creador de las famosas series Dragon Ball y Dr. Slump, ambas caracterizadas por un humor picante, irreverente y absurdo (aunque la primera de ellas se caracterizó más por un contenido de acción más que de humor). Tal fue el éxito de estas dos obras que en algunos países europeos llegaron a desbancar de las listas de ventas al cómic estadounidense y nacional durante bastantes años. Este fenómeno fue más marcado en España, donde Dragon Ball vendió tantos ejemplares que se la considera la historieta de origen extranjero más vendida de la historia.

Marvel cómic

Marvel Worldwide, Inc., más conocida como Marvel Comics, es una editorial de cómics estadounidense

Aunque la empresa apareció en los últimos meses de 1939 con el nombre de Timely Publications, fue a partir de losaños 70 que la compañía se convirtió en una de las principales editoriales de cómics del país. .

La editorial que posteriormente sería conocida como Marvel Comics nació en 1939 con el nombre de Timely Publication de la mano de un joven empresario de 31 años llamado Martin Goodman, que había comenzado su carrera como empresario a los 29 años, con una pequeña editorial de revistas pulp llamada Western Fiction Publishing.

El primer cómic de Timely Publications, Marvel Comics, apareció con fecha de portada en octubre de 1939. Aquel primer número incluía las aventuras de los tres primeros superhéroes de la editorial, el androide conocido como la Antorcha Humana, el antihéroe Namor y el Ángel (sin relación con el personaje de los X-Men), creados por Carl Burgos, Bill Everett y Paul Gustavson respectivamente. L

A imitación de otras editoriales, que habían comenzado a mostrar a los nazis como némesis de sus superhéroes, Timely enfrentó a sus superhéroes a las fuerzas alemanas aproximadamente dos años antes de que Estados Unidos entrase en la Segunda Guerra Mundial, con Namor luchando contra submarinos alemanes, la Antorcha Humana ayudando a los aviadores británicos o el Capitán América golpeando al propio Hitler en la portada de su primer cómic.

En 1941, Timely sufrió algunos cambios importantes. Joe Simon y Jack Kirby acabaron marchándose de la editorial en malos términos con el dueño de la editorial . Goodman pondría como nuevo editor a su propio primo, Stanley Lieber (Stan Lee), aunque al año siguiente fue reclutado por el ejército y tuvo que ser sustituido por el dibujante Vince Fago. Durante los casi tres años que Fago estuvo al frente de la compañía, Timely mantuvo su oferta de superhéroes pero aumentó de manera impresionante sus títulos de humor, sobre todo los dedicados a animales antropomórfico.

A su regreso al puesto de editor en 1945, Stan Lee volvió a apostar por los superhéroes, pero los gustos del público estaban cambiando y nuevos géneros como el el humor adolescente, el crimen, el romance, el salvaje oeste y el terror habían cautivado al público. Los superhéroes fueron desapareciendo  Hacia 1949, las últimas series de superhéroes habían sido canceladas. También el nombre de la editorial sufrió un cambio, y hacia finales de la década de los 40 surgieron diversos logotipos que identificaban a los cómics de Goodman unas veces como Marvel Magazine y otras como Marvel Comics.

En 1961, la editorial que habría de ser Marvel Comics destacaba únicamente por sus cómics de monstruos y por el trabajo de dos de sus dibujantes, Jack Kirby y Steve Ditko. Sin embargo, en noviembre de 1961 aparecía Fantastic Four, una serie que bebía de la moda de los superhéroes y que rápidamente se ganó el favor del público gracias al desarrollo de sus personajes, cuya caracterización era mucho más realista que la de otros títulos superheroicos.

Los 4 Fantásticos serían el pistoletazo de salida para otras series y personajes, como Astonishing Ant Man en enero de 1962, The Incredible Hulk en mayo de 1962, Spider-Man en el último número de Amazing Fantasy en agosto de 1962, Thor el número de Journey Into Mystery de agosto de 1962, Iron Man en el número de Tales of Suspense de marzo de 1963, la Avispa en el número de Tales to Astonish de junio de 1963 y el Doctor Extraño en el número de Strange Tales de junio de 1963.

El éxito de estos personajes hizo que la compañía, que ahora respondía al nombre de Marvel Comics, se lanzase a publicar dos series de superhéroes en septiembre de 1963, The Avengers y los X-Men.Entre 1957 y hasta 1968, Marvel Comics había sido una empresa con escasa organización interna. Stan Lee funcionaba como principal guionista, editor literario y artístico, mientras que el dibujante Sol Brodsky (sustituido posteriormente por John Verpoorten) se ocupaba de los aspectos más técnicos

El éxito de Marvel acabó llamando la atención de Perfect Film & Chemical Corporation

A pesar del espectacular crecimiento de Marvel, los ejecutivos fueron reticentes tanto a aumentar el equipo editorial como a mejorar la remuneración de escritores y artistas.

Ascenso y crisis con Ronald Perelman (1988-2000)

El año 1988 Marvel Comics fue comprada por el conglomerado empresarial Andrews Group, que formaba parte del imperio empresarial del magnate Ronald Perelman. La empresa seguía siendo una de las primeras editoriales de cómics y contaba con artistas estrella como Todd McFarlane, Jim Lee o Rob Liefeld, que habían catapultado las ventas de títulos como Spider-Man, X-Men y X-Force.

Los problemas comenzaron en 1991, cuando los artistas estrella de Marvel se marcharon a crear una nueva editorial, Image Comics, que logró hacerse un hueco en la competitiva industria del cómic.

Tras haber afrontado la bancarrota, el nombramiento del dibujante Joe Quesada como nuevo redactor jefe y el éxito de las primeras películas de Marvel dieron un respiro a la editorial. Quesada dio un giro a la editorial que se tradujo en el abandono del Comic Code Authority (un código de conducta) Esta etapa concluyó en 2011.

Actualmente

Hoy en día, Marvel sigue siendo una de las editoriales más importantes del cómic estadounidense a pesar de la reducción de ventas que acosa a toda la industria del cómic. Sus personajes son conocidos a nivel mundial gracias a las adaptaciones al cine de muchos de sus personajes. El máximo responsable ejecutivo de Disney, Robert Iger, anunció que la compra dará lugar a expansiones de Marvel  y que veían una gran oportunidad para el crecimiento de la franquicia a largo.

Los cómics de Marvel llegaron a España en 1942 de la mano de Ediciones Vértice.

EL COMÍC:EVOLUCIÓN

Si tuviéramos que definir a este género podríamos decir que se trata de una expresión artística que integra tanto texto como imágenes secuencializadas, empleando particulares recursos de carácter icónico, narrativo y literario y configurando un código específico. Como buena parte de los medios icónicos, la imagen se apoya en el texto y se ha convertido en un lenguaje singular dotado de leyes propias. Las primeras tiras cómicas eran diarias y en blanco y negro, y aparecían dispersas en el periódico, pero luego fueron trasladadas a una determinada página, llegando en algunos casos a formar un verdadero suplemento ilustrado. A partir de comienzos del s. XX con la generalización de los suplementos dominicales, se incluyó un suplemento destinado a los cómics, de manera que, el cómic paso de la tira diaria a ocupar una o varias páginas completas.En ese momento aparecen cómics muy originales y vanguardistas que tendían a la experimentación, como es el caso de Winsor McCay, dibujante de strips. Este dibujante fue un verdadero innovador de la historieta, tanto por su audacia en el encuadre y la utilización de diferentes planos como por la belleza de sus dibujos. Esta considerado un clásico del cómic de prensa. Se anticipó al cine, al utilizar un poderoso lenguaje visual de planos y raccords. También fue un pionero de los dibujos animados como demuestra su cómic:”Gertie, the trainer dinosaur”, y la creación del cómic “Littele Nemo”, que relata el mundo onírico de un niño a través de una estética modernista de influencias del Art Deco. Con el apelotonamiento de historietas y personajes en los periódicos, surgieron problemas creativos a la hora de administrar su espacio y, aún más cuando empezaron a difundirse.El cómic-book aparece con un nuevo género, donde se invita al espectador a la evasión. Se trataban de libros a color que recogían las aventuras de superhéroes. La nueva estética es opuesta a la caricatura, la cual había sido la mayor influencia en el cómic hasta el momento. El siguiente paso en la evolución del cómic se produjo gracias a Raymond, que rebasó con sus dibujos de Flash Gordon, en 1934, el realismo y clasicismo de Foster (Tarzan), para entrar en una etapa que se puede llamar manierista, con influencias del prerromanticismo inglés.                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                En EEUU, en los años 60, surge una etapa del cómic en la que se empiezan a abordar temas prohibidos y se realizan tratamientos experimentales. Con la hegemonía de la televisión se flexibiliza la censura en el cómic. Surgen nuevas editoriales y revistas que, recogían otras formas de expresión underground, destinadas a estratos minoritarios y marginales. El cómic ha permitido a lo largo de su trayectoria establecerse como medio de comunicación de transmisión de valores siendo reconocido además por un lenguaje original directo y accesible a todo tipo de público. Sus primeros indicios se remontan en los murales egipcios en forma de tira que incluían tanto a imágenes prototípicas, como a texto, también hay que destacar a las bandas que rodean a las columnas romanas como la de Trajano. Por otro lado, el bocadillo que contiene las palabras de los personajes tiene sus precedentes en las filacterias de las pinturas góticas. Esto demuestra que el hombre ha necesitado a este medio de comunicación original, accesible y directa desde tiempos remotos.ilustrador-comics

YELLOW KID

Richard Felton Outcault fue guionista y dibujante de historietas así como pintor estadounidense. Nació el 14 de enero de 1863 en Lancaster, Ohio y falleció el 25 de septiembre de 1928 en Flushing, Nueva York. Outcault fue el creador de la serie The Yellow Kid (el chico amarillo), a partir de la cual nació y se desarrolló la historieta tal y como la conocemos hoy en día.

Biografía

Fragmento de Buster Brown de 1903.

Outcault comenzó su carrera como ilustrador técnico de Thomás A. Edison y como dibujante humorístico para las revistas Judge y Life.

Pronto firmó para el New York World de Joseph Pulitzer y en su suplemento dominical en color llamado Worldcomenzó, el 5 de mayo de 1895, la serie de megaviñetas cómicas Hogan’s Alley que presentaba a un niño de los suburbios sobre cuya amplia camisa aparecían los textos. A partir del 5 de enero de 1896, esta camisa fue coloreada, a modo de experimento, con un color particularmente dificultoso por aquel entonces: el amarillo; de este modo la expresión popular Yellow Kid acabó por filtrarse desde el público hasta el título general de la serie.

Cuando en octubre de 1896 pasó a trabajar para el New York Journal de William Randolph Hearst, rival de Pulitzer,The Yellow Kid comenzó a aparecer como una sucesión de viñetas en lugar de una sola. Esto, que Outcault llevó a cabo por iniciativa del propio Hearst es considerado por muchos teóricos el verdadero momento del nacimiento de la historieta.

En 1897 volvió a cambiar de periódico, creando para el New York Herald, las series Poor Li’l Mose (1901) y Buster Brown (19021905). Ésta última la continuaría en New York American desde 1906 hasta 1920.8127aa9bfebb3b1d86ba577f9a7fe6f2